好莱坞读后感(汇总九篇)。

在上学的时候，老师会经常要求我们会写读后感，在欣赏了作者的作品后我们有了自己的感悟和思考。您是不是希望自己能写出优秀的作品读后感呢？OK语录网的编辑在大量阅读中选出了一篇特别有用的“好莱坞读后感”。

好莱坞读后感(篇1)

六年级习作 《卡萨布兰卡》是属于奥斯卡好莱坞黑白著名电影片。

主人公是rick——一个看似冷漠无情，生活乏味的男人，逃亡到了卡萨布兰卡，在此安居下来，开了一家咖啡店。

似乎是造化弄人，他碰上了旧时的情人——伊尔莎，而此时的伊尔莎已经公开和维克多成为名义上的夫妻，可是伊尔莎还爱着rick，造成了著名电影中少有的“三角关系”，最后，rick原谅了伊尔莎，伊尔莎与维克多登上了飞机，rick与一名军官也建立了友好关系。牵扯到了救赎。伊尔莎救赎了rick，因为她使rick不再冷漠乏味，变得对生活有了信心、理想，同时对自己的人生有了希望和光辉；rick救赎了伊尔莎，因为在最后时刻，为了伊尔莎逃离，杀害了一个高贵军官，同时他与雷诺上尉的友好关系明显可见——雷诺没有揭发rick。

《卡萨布兰卡》这部影片是以所在地名命名的，他们在这卡萨布兰卡走过了许许多多曲折坎坷的心里路程和蜕变过程，每个人都发生了变化，改变了自己的看法和缺点以及一直执着的，学会了忍让，学会了放弃，学会了祝福，因为祝福别人等于救赎了自己。

背景**是一首著名的失踪**，在电影拍摄过程中反复出现，让人哭笑不得。整个情节都是由这个背景完成的**，然后由这个背景向后看**，直到雾反射回来。女主角伊尔莎完全矛盾。一方面，她不想听那首让她伤心的歌。另一方面，她喜欢听这首歌。似乎她在整个过程中都在折磨自己。与此同时，rick本一辈子也不愿意听到这首曲子，却因见到自己所爱的人早成他人之妻，痛不欲生，想了结掉自己，一边喝酒一边对汤姆说：

“她受得了，我就受不了么？”这个**完全是可以把人带回以前的，所以，发展了剧情，增加了观众趣味，也是其得到奥斯卡奖的一个重要之处。

让我们来谈谈主人公里克，他冷漠，不人道，远离世界。当然，这是因为女主角。他不听女主角伊尔莎的解释。孩子生气地拒绝了她，独自一人喝酒。最后，他知道伊尔莎被真相原谅了。他祝福伊尔莎和维克多，和他的朋友雷诺一起消失在云端。

仍念念不忘的一个影片片段就是在最后结尾了。

一个飞机场，从这里来，又要回那里去了。三个主人公：rick、伊尔莎、维克多，发生“三角”事件的主要中心人物，rick没有嘲笑讥讽维克多，反而友善地对待他，宽恕了他们。：

“‘你准备好了吗？伊尔莎？’‘我……准备好了’”伊尔莎如此不决断的言行举止可见，她是对卡萨布兰卡的留恋、对rick的悔意，卡萨布兰卡的rick和在巴黎的rick是不一样的，更加成熟了，更加人性化了。

卡萨布兰卡对他们来说就是改变他们的地方，伊尔莎的眼睛里出现了薄雾，于是整个环境都是雾，都是很忧伤、很悲凉的感觉，她的眼睛里有痛悔、留念、悲伤、凄凉，百感交集，嘴唇紧闭着，长长的睫毛遮住了她的泪水，双手紧紧地攥着维克多的手，注视着rick，有可能永远见不到他了。一声召唤，他们只得依依不舍地登上了飞机，就在这时，要捉维克多的军官到了，里克拿出了手枪，军官看似不畏惧地拿起了**，要追拿他们，于是，里克不得已的扣动了扳机，打死了军官。最后，雷诺和里克在雾中行走，飞机飞向雾中，这似乎表明：

两个人走不同的路是因为他们对彼此了解太少。

影片情节曲折，内容丰富，发人深省。值得观赏和回味。

好莱坞读后感(篇2)

极限运动+特工动作，这两个看似八竿子打不着的元素，组合在一起，代表动作电影，这种老式类型片在新世纪之后的新玩法。

没想到你是这样的特工

时钟拨回到到本世纪初，动作电影已到江河日下之际，原因很简单。动作片最大的卖点就是提供大银幕效果的视觉奇观，可到了当时，超级英雄电影、科幻片、灾难片的崛起，让动作片电影这类老套的模式化产物已经变得不太新鲜。上世纪90年代，动作片为了追求更加刺激的视听效果，以《真实的谎言》《勇闯夺命岛》为代表的作品连核弹、毁灭城市的噱头都整出来了，还要怎样，依然没有阻挡动作电影的颓势。

返回头再来说《极限特工》系列，创始人、也就是编剧里奇·威尔克斯(本片片头字幕还特意标出了其“创始人”的名号，尽管他不是第三集的编剧)，是特工间谍片的影迷，在法国波拉波拉岛度蜜月的时候，威尔克斯突发奇想，构思出《极限特工》的故事，他的创作宗旨是打造出一部适合新世纪年轻观众观看的间谍片。

要么所谓与时俱进，就是要与传统特工片不同，也要打破动作电影老套的模式，哪怕故事结构换汤不换药，但紧抓动作电影“视听奇观”这个梗，就是一次方向性正确的“旧瓶装新酒”，这就是《极限特工》诞生的始末，将极限运动与特工电影进行了一次脑洞结合。

我们印象中的特工电影是什么?无论是老调的007，还是后来追求故事上和风格上“技术性KO”的《谍影重重》系列，核心魅力多是“特工”的神格化和人格化，要么就高高在上，几乎不食人间烟火，西装革履一丝不苟，泡妞打架面面俱到，比如邦德同志;要么就是毫不起眼，时刻隐藏在老百姓中，但打起架来凌厉凶猛，杀人从不废话，比如伯恩同学。

但要论范·迪塞尔这个极限特工凯奇，用句俗话就是“暴发户”的配置，街头混混出身、秃头纹身，身披毛料大衣，身边总是不乏形形色色的美女，狐朋狗友一堆，一看就不是好人。特长不是打架，而是不要命，极限运动达人喜欢各种“外国人少系列”，辅助以特工电影中常见的道具和技术支持，让这位不要命先生如鱼得水。

比如第一集，和很多好莱坞间谍片一样，本片也取景于捷克的布拉格，是上世纪间谍片的大爱。但是内容嘛，有够离谱，重金属电子乐，地下俱乐部泡妞，街头飞车，节奏动感，充满了潮流味道，与布拉格凝重、森严、宏伟的东欧风格完全相反，这种反差效果才是《极限特工》系列所追求的。

竞技+动作：“外国人少”系列

说道范·迪塞尔，其赖以成名的两套作品，《速度与激情》与《极限特工》，都有点一脉相承的感觉。当年都是大黑马，内容都是非主流竞技+动作。一个是地下飙车，一个是极限运动。电影指向的是一种“亚文化”特色，从街头飙车和边缘极限运动，穿着五颜六色的卫道士，香车美女，纹身壮汉，夜晚大闹城市，能够深受青年观众的喜爱。再套上一个特工电影的马甲，乍一看不合时宜，但主流模式下，整体故事和情节全部为亚文化元素服务。

将竞技与动作片结合的好处，就是能够极大的展示极限运动的荷尔蒙属性，同时脱离了竞技的.束缚也让暴力动作变得更加肆无忌惮，说穿了也就是开篇那句“打架、泡妞+耍帅”。

比如开场甄子丹的单打大戏，功夫元素+蹦极，落入会场中面对群敌，还有功夫在桌子上来一招360度托马斯全旋开枪，为的就是耍帅。能正面命中敌人的，一定要来一招“苏秦背剑”才叫杀敌，能瞬间秒杀的，必须要“张飞骈马”命中才够爽快;能破门而入的，必须要开车撞墙进去;能跳伞的，必须要把降落伞扔出去然后在跳飞机去追，跟人家谈判，还得玩几个手榴弹，否则都不好意思在圈子里混。

极限嘛，就是这个道理，丛林滑雪、水上骑单车、陆地行舟、跳飞机跳悬崖，必须不走寻常路，外国人少不是没有原因。

退一步来说，都有主角光环，人家007或者伯恩好歹还躲躲子弹，可极限特工们可好，不但看见子弹不躲，还要迎着子弹上去，来一招360回旋射击，命中敌人后自己不忘摆个POSE。动作电影嘛，“打打架，耍耍帅”，这种行为如果在现实中早已死八遍了。

就像《极限特工2》中艾斯·库珀调侃的那句“现在拯救地球都需要一帮小混混来完成了?”没错，在美国连个钻井工人都能救世界(《绝世天劫》)、小兵扛大旗的理念下，身份和出身不是问题，敢“作死”就行。

同时到了《极限特工：终极回归》，也开始了攒局的路子，两伙极限特工对打，从《速激》的family，一直到《极限特工》中的brotherhood，在如今超级英雄都组队的同时，团队协作这样的群戏在好莱坞最吃香了。而且片中五湖四海不同肤色的成员一并出境，在观众看来，“极限”除了主角们在飞驰赛道上的大胆壮举之外，情义也尤为重要。而不同阵营“化敌为友，惺惺相惜”则是情义的最好体现。

高热量爆米花的焦糖

而对于动作片的模式而言，就是一个“旧瓶装新酒”，主要看得是打斗，故事反倒是其次。而且在如此众多的角色出现情况下，故事情节被极度压缩。

本片的导演，D·J·卡卢索，个人认为他是好莱坞一个被忽视的动作片导演。作品不多，从《后窗惊魂》、《鹰眼》到《关键四号》，每部作品都能拿的出手。连同这部《极限特工》，他的作品共同点就是配料都不太新鲜，但他能给你调控到纯火爆米花的级别。就像《关键四号》那么稀烂俗套的主题，能够调制到能看下去，而且部分场面还比较吸引人，说明什么呢?这个人深知观众想看什么，在该“有料”的地方绝不吝啬，在该一笔带过之处也决不会浪费口舌，代表了好莱坞娱乐产业最纯度的那一部分。

从巴西到菲律宾、再到底特律，典型的闯关打怪模式，电影压缩了剧情空间和角色，换来的是连场的打斗和追逐，几乎是从头打到尾，目不暇接。D·J·卡卢索能够充分利用电影元素调动观众情绪，范·迪塞尔连场打斗和极限运动展示，老范“中场休息”时，立马安排了其与角色马上入替，要么甄子丹要么大美女出镜，即刻开启下一轮的打斗。打完之后，几个荤段子过后，又是一轮喧闹的轰趴，随后就飙车，接下来再一轮打斗。

电影就是在这样的喧闹过程中结束，演完之后，问问电影讲了什么故事?对不起，想不起来，只记得老司机们一言不合就开车来着。这就是最典型的好莱坞商业电影，没什么野心，单纯的将动作电影的“视听猎奇”发挥到极致。如此作品，举个例子，一帮哥们姐们聚会或者大学宿舍爷们扎堆，喝着啤酒吃着高热量食品，热闹之余看部电影解闷吧，这类电影最适合这类条件。

好莱坞读后感(篇3)

斯人若彩虹，遇上方知有~

单身狗表示不想谈男女主角这对欢喜冤家反正他们就是因为一些事的发生+人的出现+长辈提点，对彼此都有所改观吧~

想说说其他配角

最喜欢女主的爸爸——罗伯特。

特别喜欢他的画，也超喜欢他的话。

当他描画出层层风景时，那些话语总是变得温柔，似乎还有些沉重。那并不是悲伤。也许带着几分疲倦，但却充满平静。

他告诉朱莉，“合适的光线就是一切。”他还说，“一幅画大于构成它的那些笔画（部分）之和。”

他身上仿佛永远保持着那种对美的敏感与渴望，但他是个务实的梦想家。对家人十分耐心，尤其是他的“智障弟弟”，感觉他是个性情温和又不乏热情的人。（日常羡慕别人家的父亲ing）

其次就是女主的两位哥哥

贝克家的两兄弟名叫马特和麦克，不过直到现在我也分不清谁是谁。他们一向形影不离。虽然不是双胞胎，两个人的长相和声音却出奇的相似。

哇咔咔他们充满热情有些调皮捣蛋，勇敢而又幽默。我觉得非常像哈利波特里的双子！(•̀∀•́)超喜欢的！

爸爸从橱柜里拿出一个纸碟，切了一片派，“你们今天晚上很克制嘛。换了我，不知道能不能有你们那样淡定。”

“啊，你知道，他只是有点……固执。”马特说，“你得附和他的观点，然后跟他讨价还价。”他又补充道，“当然，我可不想要个那样的爹……”

麦克把牛奶喷了出来，“哥们儿！你能想象吗？”马特一掌拍向爸爸后背，“没门儿。对我最重要的那个人在这儿呢。”妈妈站在厨房另一头笑着说：“我也一样。”

我从来没见过爸爸掉眼泪。他没有坐在那儿大声痛哭，但泪水明明白白地从眼眶里滑落。他拼命眨着眼睛，说：“孩子们，不想再来点派配牛奶吗？”

“哥们儿，”马特跨坐在椅子上说，“我也是这么想的。”

“是啊，”麦克补充道，“我饿坏了。”

是不是挺甜的反正我认为是很甜

最后，我想说喜欢那棵无花果树！（也算“配角”吧）

这棵无花果树一直矗立在小山丘的最顶端。那儿有一大片空地，春天它为小鸟提供一个筑巢的空间，夏天它投出一片阴凉。它也是我们的天然滑梯。树干向上盘曲伸展，几乎长成一个完美的螺旋形，从上面滑下来真是乐趣无穷。妈妈告诉我，她觉得这棵树小时候遭受过损害，却生存下来了，一直屹立到百年后的今天，长成她见过的最大的一棵树。她管它叫“坚毅的象征”。

忽然间，因为爬得太高而产生的恐惧不见了，取而代之的则是一种“我正在飞翔”的神奇感觉，就像翱翔在大地之上，航行于云朵之间。我突然发现，原来微风的味道是那么好闻。它闻起来就像……阳光。像阳光，野草，石榴和雨滴！我不由自主地大口呼吸着，我的肺被这种最甜蜜的味道一次又一次地充满。

没过多久，我就不再害怕爬到高处，并且找到了一个只属于我的地方。我在那里一坐就是几个小时，什么都不做，只是向外眺望整个世界。夕阳美不胜收。有时候是紫色夹杂着粉色，有时候是烈焰般的橙色，把地平线附近的云彩都点着了。

想要亲自体验这感觉或许我应该先学会爬树，不是吗？

而我开始惊讶于自己竟然同时体验到了卑微与宏大。这怎么可能呢？我的内心为何充满了平静，同时又充满了惊叹？简简单单的一棵树，怎么会让我体验到如此复杂的感情？它让我感觉到自己的存在。

好莱坞读后感(篇4)

奥斯卡历史上只有两部默片获“最佳影片”奖，一部是1927年的《翼》，即奥斯卡的第一部最佳影片，第二部就是《艺术家》。这是一部关于电影的电影，它启发观众，电影的进化不是一蹴而就的。从无声电影、声音、色彩、宽屏到三维立体图像，每一各阶段都不是分离的，而是相互重叠、相互渗透、相互推进的。每阶段都曾辉煌，每个形式都造就过卓越的艺术家。

他们的光芒会渐渐黯淡，而成就化作电影的足迹。

是什么感动了我？进影院之前，我原猜想《艺术家》会以黑白有声形式，拍一部默片时代的故事。结果放映开始才发现是黑白默片，窄小的画幅，发黄的旧影像，还伴着沙沙的胶片声。

男主角亮相，造型夸张，油头粉面，剑眉入鬓，嘴角翘翘着两撇人造小胡，朱唇微露皓齿，光闪闪像旧中国夸富的金牙。女主角身条流丽，袅袅婷婷，影影沉沉一双妙目，顾盼间光彩照人。双双高调出镜，背景为20世纪初加州小镇上的摄影棚。

先一个蓝天白云远景，烘云托月，后切入面部特写，心情欢畅，乃早期默片心理表现主义手法。间或黑底白体的字幕，提醒你在看货真价实的默片。恍惚间不知身在影院，还是教室里观摩资料片。

我一直提着心，期待形式会转换成有声片。毕竟已是3d时代，谁还会真拍一部黑白默片呢？不过烘托一下时代氛围罢了，等故事情节发展到20世纪20年代末，便自然会出现对话，在片尾或转为彩色的也未可知。

但导演很沉得住气，情节到好莱坞经理让乔治观摩新发明的有声技术，但自负的“艺术家”嘲笑它是马戏团的勾当，拒绝扮演说话的角色，影片《艺术家》仍保持着沉默。说到配乐的成功，没人愿意花钱再看一遍哑剧。乔治自己买票欣赏这段幽默的对话，但哑剧仍然出现在我面前的屏幕上。戏结束时，乔治挤出了电影院的大门，一位龙钟老太太颤抖着向他走来。

乔治心一动，竟有忠实的老观众还记得他这位当年的“万人迷”？不，老太太来逗他怀里的小狗。自此之后，影片出现音响效果，一只钢勺从早餐桌上掉下，“当啷……”，主人公一惊，但仍说不出话来，他的世界仍是表现主义的

《艺术家》回顾了好莱坞史上一场最深刻的革命。虽然早期的电影被称为无声电影，但它们从不沉默。当时，电影院通常要求乐队在银幕前的音乐池里演奏，有时还用留声机来烘托气氛。有别出心裁者，录下飞机的轰鸣声和枪炮的爆炸声，给战争片加点作料，如默片《翼》（wings）在1927年首映时就已炮声隆隆了。

但技术上的难题是如何让声画同步，使二维影像与音响合成，虚拟一个有现实质感的世界。这是一个漫长而艰难的过程。只有通过录音、录像、播放、放大等方面的创新，技术才能逐步成熟。华纳兄弟是有声电影的先驱。它最初专门制作新闻片。新闻片需要配音来解释战争。因此，它的音效技术是领先的。

两次世界大战期间，美国影院跟中国20世纪六七十年代放电影相仿，故事片前总有“加片儿”，美国观众从新闻记录片里了解美军的胜败。但故事片需要说话吗？华纳兄弟意见不一。

大哥哈利·华纳（harry warner）就不信，“谁会见鬼到影院听演员讲话？”弟弟山姆（sam warner）却认为公司的出路在于尝试新型电影。

没有人能预测有声电影的商业前景，他们在挑选演员和写剧本方面更有效。默片原本很国际化，演员来自四面八方。像《艺术家》的主角乔治便是意大利裔，其原型是“女性杀手”级别的默片巨星鲁道夫·瓦伦蒂诺（rudolph valentino，1895—1926），只要演技好，外表漂亮，形体表现力强，便是好演员。

有声片的要求不同，演员嗓音要好，讲话没有口音，声音还须表现力强。更重要的是，无声电影的戏剧夸张不再适用。有声电影需要低调、写实地模仿生活，而形式化、表现性的表演技巧则逐渐远离电影。观众想象自己偷窥别人的生活，演员则配合观众，假装浑然不知地“过日子”。

很多外籍演员被有声电影淘汰，本土演员也得由校音师训练发声。1952年金凯利主演的《雨中曲》，演绎了默片演员学习有声表演的故事。剧本创作变化更大，善写对话成了编剧的看家本事。

美学上，电影理论家对有声片也看法不一。苏联蒙太奇大师爱森斯坦认为，电影的本质是表现主义，蒙太奇可以形成表意系统。另外，声音也不同，偏离了电影艺术本身的特点。法国理论家巴赞针锋相对，嘲笑默片是被拆除的“影像古堡”，精英们因害怕声音带来的现实感，才倍感绝望。

声音不是形像的陪衬，让声音和形像一一对应。相反，声音应该限制镜头的使用，使光影呈现在空间的自然连续性和心理逻辑中，从而抛弃蒙太奇的隐喻和符号。巴赞说，现实主义风格是电影的本质，无声电影更接近舞台艺术，而有声电影则延续了现实主义小说的传统，所以这两种形式都被从根本上打破。《艺术家》反映了电影转向的关键时刻，乔治拒绝说话，嫌声音“不艺术”，折射默片精英的最后一搏。

时代车轮滚滚前行，1927年第一部有声故事片《爵士歌手》（the jazz singer）诞生，对话虽不太多，但声画同步，而且每首歌都配了音，结果票房大获成功。从此，有声片一发而不可收，默片黯然退场。还有个意外的后果，电影公司为取悦观众，不仅淘汰英语非母语的演员，就连原本沾沾自喜的英国裔演员也下了岗，美国乡音渐大行其道。

好莱坞电影的民族化正在兴起。美国的价值观、习俗和文化偏见渗透到对话中并得到加强。与此同时，欧洲电影也同样随有声技术渐趋民族化。故事片对话的分量不断凸显，由于各国语言不通，促生出进口片翻译、配音这个行当。

声音电影改变了信息传递的方式，复杂而丰富的民族意识和地域习俗跨越了国界，民族意识形态也被隐藏起来。各国政府出于对文化侵略的担忧，纷纷控制进口影片的流向，实行配额制，确定国产影片和进口影片的比例。从此，电影不再是国际艺术，而成为我们熟知的“国别电影”（national cinema）。

默片时代一结束，好莱坞便进入黄金时代，据说美国人口中有八成常光顾影院，民族化的影业反过来塑造了大众文化的美国特性。上世纪二三十年代，欧洲移民刚刚踏上新大陆。他们遇到的第一个困难是融入主流社会。新移民从最底层工作干起，含辛茹苦，日夜劳作，身处社会边缘。

他们离开家是为了实现他们的美国梦赚钱和加入中产阶级。廉价电影不仅是新移民能够接触到的文化生活，也是了解美国的窗口。主流社会如何举止打扮，怎样生活起居，劳累一天的人们坐在黑暗的放映厅里，眼巴巴从银幕上窥视浪漫化的美国生活。

他们更倾向于相信虚构的美好生活，并确定在异国他乡漂泊、承认异国他乡为祖籍的初衷。大明星亨弗莱·鲍嘉（humphrey bogart）、加里·格兰特（cary grant）、马龙·白兰度（marlon brando）的举手投足、持身接物、衣着打扮，都是模仿的样板。标准绅士、铁血硬汉的口头禅、俏皮话更让学习英语的移民青睐。

西部片夹杂一些极具种族色彩的台词，迅速广为流传。一句“只有被打死的印第安人才是好印第安人”（the only good indian is a dead indian），曾被反复引用，花样翻新。二战时欧洲战场的美国大兵会说“只有被打死的德国佬才是好德国佬”，太平洋战场又用在日本人身上，朝鲜战争和越南战争继续套用这个句式。

随着移民融入主流，美国的文化景观也发生了变化，新主流重塑了后来的移民。犹太作家伊斯雷尔·赞格威尔（israel zangwill）1916年的戏剧《熔炉》（the melting pot）有句台词：欧洲所有民族在这个伟大的熔炉里融化和重生。

“文化熔炉”恰如其分，其催化剂便是电影，很大程度上，美国城市文化是电影文化。从默片到有声片，不仅是电影形式的创新，也是一场文化革命。许多乔治这样的艺术家被时间的尘埃淹没，而电影在沉默的余烬中浴火重生，跃升为现代艺术星空里最闪耀的一颗。

奥斯卡历史上只有两部默片获“最佳影片”奖，一部是1927年的《翼》（wings），即奥斯卡的第一部最佳影片，第二部就是今年的《艺术家》。这意味着默片的复活吗？不，历史不会倒转，《艺术家》也非向爱森斯坦致敬，主张默片为“真艺术”。

导演不保守，甚至说不上怀旧。片中确实不少场景、镜头模拟经典默片的桥段，向似水年华致意，如女主角最后一分钟营救乔治，模仿格里菲斯1913年的默片《死亡马拉松》（death’s marathon）。他们二人的荣辱沉浮，又颇似1937年的《一个明星的诞生》（a star is born）。

但不能因此说它是仿旧作品，相反，它很先锋，在“戏仿”好莱坞的经典叙事。

所谓好莱坞经典叙事，是黄金时代美国电影摸索出的一套行之有效的叙事方式：情节依线性逻辑和时间顺序讲述，中心角色的心理动机统摄故事的因果关系；影片按效率原则结构，让信息最大化，情节紧张，配以自然布光和充分场面调度，烘托悬疑和戏剧冲突。当观众移情到电影编织的两小时“白日梦”时，便得鱼而忘筌，再现形式在情迷神往中悄悄隐去。

而《艺术家》却与经典叙事的透明性反道而行，张扬默片的表现形式，压抑我们习以为常到视而不见的现实主义形式。随电影情节发展，会感到默片形式时时面临危机，内容与形式之间充满张力，情节渐渐退居背景而反衬出形式。观影过程中我始终焦虑着，默片何时转向有声，恢复习惯的欣赏口味？

导演却吊足胃口，调动你所有电影知识，逼你反思电影形式本身，细细把玩直到结尾，电影公司老板才说出一句无关紧要的台词，主角始终缄默。一部关于电影的电影，启示观众电影的进化非一蹴而就，从默片、声音、彩色、宽银幕到3d立体影像，各阶段不是割裂的，而彼此重叠、相互渗透、渐进而来。每阶段都曾辉煌，每个形式都造就过卓越的艺术家。

他们的光芒会渐渐黯淡，而成就化作电影的足迹。

电影是时间性的艺术，恰如我们的生活，既年命朝露、盛衰有时，又后浪推前浪、势不可挡。才经历过的，尚未驻足回望，已新浪潮涤荡，了无痕迹。刚呐喊出：

展望未来，迎接挑战。余音袅袅，已陈词滥调。一唱出“我们的未来不是梦”，歌声未罢，已一枕黄粱，梦醒犹恋。

过时乃时间的本质，无论你态度多开放，与时俱进的意愿多强烈，今日艳绝一时，明日黄花蝶愁。乔治的沉默是我们共同的宿命。记得几年前，王朔批“80后”泡沫，“80后”集体震怒，回骂王朔到更年期，嫉妒年轻。

王朔靠青春反叛起的家，跳着脚吼：你们也有老的时候！“80后”犟嘴：

我们风华正茂，没有你老！才过几年，恰同学少年已黄脸臃肿为人母，轮到“90后”嫌他们絮叨了。连生老病死也争个眉眼高低，可叹近视已到盲目。

原以为只有蜉蝣及夕而死，蟪蛄不知春秋，人竟也不懂寒来暑往，盛极必衰。

电影《艺术家》高明之处，是不以今人评故人，不因电影技术昌明而沾沾自喜。电影已过百年，我们后知后觉，比前人眼界开阔些，却无资格居高临下。螳螂捕蝉黄雀在后，今人还会被后人指点。

片中最让人感动的是时空阻隔不断、仍可息息相通的情感。乔治一生悲喜源自对电影的深爱，电影不仅是娱乐消费，更是追求完美的艺术境界。“白日梦”的浪漫与现实中的无奈，对他一样是生命的时时刻刻。

这份感情不因时间流驶而锈蚀，也不随星移物转而变质。时间虽是世界的法则，人性却可穿越时空。古今人不相远，尽管时过境迁，我们仍可心契魂交，此片关乎恒久的人情物理，而非物竞天择的进步宣言。

好莱坞读后感(篇5)

先看了同名电影才来看的小说，难得一遇的：电影居然完胜小说️（可能因为剧情不算复杂，而电影更有直观效果吧！最重要的是：不得不肯定两位小演员的炸裂演技，完美！）

早恋题材的故事，似乎永远都离不开具有教育作用的意义，或许，这也是它们之所以能安全出现在大众眼前的原因之所在吧！比起我们东方对早恋视作一种禁忌，我更喜欢西方的处理方式。

我们东方人或许习惯了含蓄内敛，所以对于迎接早恋与初恋，都擅长偷偷进行，当然，也演绎出了许多美丽动人的故事。可是比起来，我还是更喜欢七岁就开始大胆地追求自己初恋的朱丽安娜·贝壳。也许我们会觉得这是一个童言无忌的故事，他们童年时期的爱情根本不是爱情，我们当然可以这么理解。可是，对于一个孩子的成长时期，七岁却可以定下某种直接影响余生的某种性格。心理学表明：一个人成年的性格，所受的最大影响，来自他的童年与家庭！所以我们切勿小觑每一个孩子，因为我们也曾是一个孩子。

这的确更像一部教育题材类的故事，特别喜欢朱莉的一家人。她的爸爸是一个非常有责任感和开明有爱的父亲，无论是他对智障哥哥的赡养、还是对妻子的爱、对孩子的理解与支持，即便他只是一名普通的泥瓦匠和业余画家，但他是一名伟大的父亲！他无法为朱莉保留那一棵无花果树，但他可以为她画一幅无花果树的画！这个世界上所谓“成功的男人”或许有富可敌国的、有权势滔天的、也有名声大噪的…但我所理解的成功男人：朱莉的父亲一定算一个！能够将兄弟、老婆孩子全都爱到心里去、呵护到心底的男人，都是超级Xmen！一个会对自己女人妥协包容的男人，都是真男人！能够理解朱莉的妈妈会如此爱他，同时，这又是一个优秀的女人、妻子、和母亲。一个家庭的幸福，百分之八十取决于女人，我一直都相信这句话。她贤惠、温柔、民主、大度、这是女人难得的品质。最让我感动的是：她和丈夫吵完架后去亲吻女儿时，对她说的那番话：她爱她的父亲，爱他的勇敢和真诚。这是给太多妻子树立的榜样！多少夫妻多年后还能说出这句话呢？仅剩的是彼此的责任、还是埋怨更多呢？还有爱吗？还能不忘初心的依旧去爱当初执着选定的那个男人吗？同时，她十分理解自己女儿的固执，并且以此为荣，认为是遗传自己的优秀基因；她欣赏自己两个儿子的艺术才华并且支持他们玩乐队。这是一个无比幸福的家庭，即便她们并不富裕。

反观：布莱斯的家庭。这并不是一个真正幸福的家庭！他的父亲是一个表面非常高傲自大、内心却又极度自卑懦弱的人。一个家庭的格局，百分之七十取决于男人的胸襟和气度。（这是我胡诌的，总之，我认为父亲的角色在一个家庭里太重要了！一言一行都影响着孩子，父亲特别适合扮演骑士和偶像的角色！我父亲就是我崇拜的对象！）好在他的母亲还算一个非常有见地的优秀女人（这正好印证了我上述所言，因为他外公就是一个非常优秀的大格局男人）。布莱斯的姐姐之所以叛逆就是因为她不满父亲的高傲冷漠，而布莱斯的性格也同样是受父亲影响甚至略有遗传，好在有个优秀的外公加以引导、和朱莉对他的影响，使他变得坦诚和勇敢了起来！

从始至终我都喜欢朱丽安娜·贝壳，从第一个镜头起，我就喜欢上了这个勇敢又坦率的女孩！我相信她的性格即便是成年以后，变化都不会太大的，她会依旧勇敢天真、执着顽强、光彩照人！

是什么时候对她怦然心动的呢？

或许是见他的第一眼，她就毫不犹豫的向自己奔来时；

或许是她的无花果树被砍掉，自己没有站在她身边时；

或许，是在这几年早已习惯了她的追逐和坚强不屈，而突然有一天见不到她、和看见她掉下泪来时…

又或许，还有更多更多的瞬间，其实他早已怦然心动！

最后，这整个故事中我最喜欢的是布莱斯的外公！他是一个非常温暖又慈祥的智慧老人，也是男主家第一个喜欢上朱莉的人。是他教育和启发了年幼的布莱斯，让他做一个有担当和有智慧的小小男子汉！是他让他学会用心去认真欣赏一个女孩！

那就用外公的台词结尾吧：有的人黯淡浅薄，有的人光彩万丈，有的人败絮藏心，而当你无意间邂逅，一个灿若虹霓的人，自此之后，世间只得一个她。

愿我们都能有幸遇见那个令我们怦然心动的人，愿我们不再畏惧、永远真诚和坦率！

好莱坞读后感(篇6)

《别了，好莱坞先生》读后感

《别了，好莱坞先生》是美国著名作家罗伯特·托契的一部传记作品，是他对好莱坞电影工业的一次深度探索和回顾。这本书让我对这个世界最繁荣的电影圈有了更加深入的了解，并让我重新思考了好莱坞在电影史上的地位和影响力。

通过阅读《别了，好莱坞先生》，我深深地被好莱坞的历史和发展所吸引。书中详细地介绍了好莱坞在电影发展初期的艰辛和努力，以及它如何成为一个商业帝国的过程。托契通过大量的事实和趣味的故事，揭示了好莱坞制作电影的背后故事，让我领略到了这个行业的种种不为人知的细节。同时，作者以独到的 角度分析了好莱坞电影工业对于美国文化的塑造和影响，使我对电影产业的发展有了更深刻的认识。

书中所描述的好莱坞先生既是一位商业家，也是一位梦想家。他们投资大量的金钱和精力来制作出大量的电影作品，从中寻找商业成功和艺术成就。好莱坞电影不只是商业化的产物，也是一种文化现象。通过很多的例子，书中提到了好莱坞电影如何塑造了美国人民的观念和价值观。好莱坞电影以其明快的节奏、浪漫的故事情节和重大的情感冲突，在全球范围内赢得了巨大的商业成功。

尽管在商业上取得了巨大的成功，好莱坞也不乏争议。《别了，好莱坞先生》也对好莱坞电影的缺陷和问题进行了深刻的分析。作者站在批评者的角度，揭示了好莱坞电影在市场化和商业化的逻辑下，可能出现的创作滥觞、套路化和创新停滞的问题。这些批评和讨论使我对好莱坞电影的评价更加客观和深入，也让我对电影行业的发展以及多元文化的影响有了更加全面的认识。

从阅读《别了，好莱坞先生》这本书中，我更加深刻地认识到好莱坞电影工业对于现代电影产业的影响和重要性。它不仅仅是一门商业，更是一门艺术，它通过创新和变革不断地推动着电影行业的发展。好莱坞不断探索大众喜好，利用先进的技术手段改进电影制作，使得电影能够以更加生动、真实、跨界的方式呈现给观众。正是这种不断求新求变的动力，使得好莱坞电影在世界各地都能够获得广大观众的喜爱。

阅读《别了，好莱坞先生》不仅让我对好莱坞电影工业产生了更深入的认识，也让我对电影这门艺术有了更深刻的思考。好莱坞电影作为一种特殊的文化现象，以其独特的魅力和商业价值成为全球电影行业的领军者。通过这本书的阅读，我对好莱坞电影更加了解，也更加理解了电影作为一种艺术形式所具有的魅力和影响力。

读完《别了，好莱坞先生》这本书，我对好莱坞电影有了更深入的理解和认识。通过作者对好莱坞电影工业的历史、商业和艺术的全面剖析，让我更加清晰地了解到了好莱坞电影对于电影行业和全球文化的深远影响。与此同时，书中也对于好莱坞电影存在的问题和争议进行了详细的论述，使我对好莱坞电影进行了全面审视。《别了，好莱坞先生》给予我了对好莱坞电影新的思考视角，更让我对电影这门艺术有了更为深刻的了解。

好莱坞读后感(篇7)

现在有些青春爱情剧拍的太过狗血，背叛堕胎车祸纸醉金迷，把爱情非要拍的轰轰烈烈破荡起伏，让人看的心累，感觉还没过完这一生，就光谈个恋爱就非要生离死别坎坷到不行。所以当看到这个简单纯情的故事时，顿时焕然一新，这才是遇见你那刻起，我便怦然心动了的美好，让人温暖而又干净的初恋向往。

两位主人公截然不同的内心独白塑造着一个完整的故事，了解一个人真的很难，而我们总自以为是的就局部而认定整体，所以刚看到布莱斯眼中的朱莉时，我也觉得朱莉是个惹人烦的小姑娘，可知道朱莉的内心活动时觉得她并没有做错什么，相反，随着深入了解，才发现朱莉真的是个品质单纯善良的好姑娘。

所以吸引我的不止是小清新的初恋故事，更是小说中关于家庭、成长、梦想、追求、贫穷、勇敢等方面的思考，在成长的过程中，你会遇到很多改变你想法的事，也会遇到很多会改变你的人。有些人浅薄，有些人金玉其外而败絮其中；最重要的是你要看到你自己，要学会自省，还要发现美的事物。

有一天你会遇到一个彩虹般绚丽的人，当你遇到这个人后，会觉得其他人只是浮云而已。真正的幸福，来自于内心深处。

好莱坞读后感(篇8)

范·迪塞尔主演的《极限特工3：终极回归》上映以来，很多人对本片产生质疑，或者认为这是一部无脑烂片，除了特技之外别无他长。其实，《极限》系列电影本身的噱头就是双特：特技+特工，以不可能挑战不可能。

与前两部一样，在本片里范·迪塞尔依然因循了特技夺人眼球的套路，从开始的高山信号塔滑“旱冰”+轮滑，到骑摩托车与甄子丹在水面上飙车，再到最后的不带降落伞高空跳机，都体现了这种“玩命”精神，一次次地挑战常人的心理极限，一次次地挑逗着观众的荷尔蒙。在特效技术日渐完善的今天，观众的审美水平不断高涨，类似的桥段不断出现造成了审美疲劳。非创新性的特技，很难引发观众的惊叹。在《极限特工3：终极回归》里，高山滑板、水上摩托冲浪也算得上一种创新。更值得一提的是，狙击手从范·迪塞尔弯曲的指缝中间直接击杀恶人的桥段，的确令人称奇。这也正是在别人看似不可能的时候，实现了不可能的可能。

《极限特工》，顾名思义，就是从事极限运动的特工。在我们常人看来，从事极限运动的人都是视危险如家常便饭的人。简单粗暴的说就是一群亡命徒，口语点说就是不要命，优雅一点地说就是一群游走在死亡边缘的人。对于这样一群人来说，及时行乐是必须的。因此，就有了剧中“打打架、泡泡妞，别忘了耍帅”的经典台词。剧中帅哥、美女、豪车、派对，以及嘈杂吵闹的背景音乐。对此，也引起不少观众诟病，认为这与主题无关，颇有混充篇幅的嫌疑。事实上，这也正体现了这些极限运动者异于常人的人生观和价值观。正是因为有了异于常人的思维，才成就了挑战不可能的人类极限的成就。《极限特工3：终极回归》的故事情节虽然漏洞百出，但极限运动的特效勉强弥补了故事情节的漏洞。所以本部电影虽然没有讲出一个好故事，但绝对是个感受荷尔蒙刺激的视觉片。

如果非要从《极限特工3：终极回归》中再找出一个挑战不可能的例子，那么一定就是配角的选择了。大多数人都希望演主角，站在舞台的最中央，被人崇拜。但很多时候配角也十分出彩，或者是演技彪悍，或者是容貌惊艳，或者插科打诨，有些甚至能够抢了主角的光彩。在《极限特工3》里，甄子丹的配角形象还算差强人意，一贯的表演方式和武打动作虽然没有什么亮点，但也没有大的疏漏。托尼贾虽然也跑了龙套，但也小秀身手，还称不上挑战不可能。真正挑战不可能的例子就是吴亦凡。被称作“兜帽男”的`吴亦凡在剧中的“极限”特技据说是DJ，非常善于煽动气氛!这是上帝派来逗我们的技能吗?为了让这一技能得到表现的机会，导演安排在本可以一枪撂倒目标的时候，让吴亦凡使出了“氛围”技能，让场面一片混乱。然后呢?就没有然后了。在后来的飙车戏里，吴亦凡的特技也完全没有发挥的余地，几乎被疯狂的飙车吓傻了。那夸张的表情似乎一直在提醒观众，自己只是个跑龙套的。当范·迪塞尔从跳伞的废墟中走出来向大家打招呼的时候说：“没有录像的话，没人会相信的”。这时，吴亦凡傻呵呵的走出来，拿着不知道从哪里搞来的摄像机说：“放心好啦，我全录下来了。”这龙套跑得，也没谁了。称他为“迷之存在”丝毫不为过。从整体来看，这个人物基本可以去掉，丝毫不妨碍整个剧情发展。所以吴亦凡也是以不可能挑战了不可能。当然，剧中的龙套也并不是都那么不堪，赫敏·科菲尔德饰演的技术宅就非常抢眼，话唠、花痴、歪打误撞，都能够引发观众笑点。这个龙套，给人留下了深刻的印象，比较值。

总的来说，排除剧情不够严谨、龙套过于牵强等因素，总的来说本片还是一部值得观看的影片。

 

好莱坞读后感(篇9)

表白日在别的平台报名参加共读活动，所以必然看的是爱情小说，这一周晚上却连加好几天班，幸好晚上看完了，共用了两个半小时。本以为会是什么老气横秋的美国故事，结果发现是两个小孩的初恋，他们既是邻居又是同学，可故事却不是我以前很羡慕的那种青梅竹马的恋情。

一开始男孩很讨厌朱莉安娜（原谅我只记得妹子的名字了），朱莉安娜却对他的蓝眼睛一见钟情。两人爱好性格什么的完全不同，从来没有玩到一块去，朱丽安娜很热情也很聪明，男孩就比较敏感，比较胆小，还有洁癖。最让我关注的是：朱莉安娜主动接近他，给他送自己孵化养大的母鸡们生的土鸡蛋，他却因为看到车库里的蛇吃鸡蛋的过程而对鸡蛋感到很恶心，还找借口说朱莉安娜家的院子不干净。而朱莉安娜一家受男孩父母邀请去他家聚餐时，也很新鲜地吃到了鱼子做的菜，她内心开始也觉得不能接受，但适应很快。

朱莉安娜是一个相当勇敢的女孩，她喜欢爬树，那棵大无花果树，她也敢于去要求别人别砍这棵不属于她的树，她为此上了报纸，男孩说她家院子脏，她马上就想着去改造院子，这才知道原来家里住了十二年的房子是租来的，父母认为维护房子应该是房东的事情，他们之所以会善待屋内自行修缮是为了防止房东涨房租。尽管如此，朱丽安娜还是动手了，她执行力很强，还感动了男孩的外公来帮忙，家里也不那么无动于衷了，困难一点点地被她化解

男主角的外公说：有些人外表平庸，有些人外表华丽耀眼……但是，你总会遇到一些人，由内而外地散发着彩虹般的光芒，一旦遇见过，别人对你来说都不过是浮云。

男孩可能是突然发现朱丽安娜就是这样由内到外的耀眼。她勇敢，但遇到男孩也变得逃避，男孩懦弱，但却突然变得勇敢。我想这是互相影响，性格是两面的，行动力差却更善于观察的男孩，给她种下属于她的无花果树迈出了勇敢的一步。